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山东省中国画学会举办“中国画的写生与创作研讨会”暨丁宁原、孙爱华写生与创作主题讲座

作者:网站管理员 来源: 日期:2017-9-22 9:31:02 人气:4 加入收藏 标签:

    主持人:根据孔维克会长的提议,今天下午我们在这里召开一个中国画的写生与创作的研讨会,中国画的写生与创作一直是中国画永久的学术命题,在唐代的时候张璪就明确地提出了“外师造化,中得心源”关于中国画写生与创作的基本原则,到了石涛更是把写生与创作的关系提到了极致。写生的目的是什么呢,是为了创造,是中得心源的一个过程。所以说从中国画领域来讲,一个画家写生能力的高低,往往成为他提升或制约他学术能力的重要依据。今天维克院长重提写生与创作的关系,让大家发表一下自己的见解,在当下更具有现实的意义。
    习近平总书记在文代会上明确要求,深入生活,扎根人民是创作的源泉,以高于生活的标准来提炼生活是创作的基本能力,文艺工作者既要有这样的态度,也要有这样的能力。这一次活动以丁老师的展览作为契机,这个切入点非常好,丁老师作为老一代画家,长期以来重视写生,重视生活与创造关系的研究,他的速写曾经产生过很大的影响,影响了一代又一代的年轻学子,又影响了很多专业的画家。今年参加会议的画家都是在写生这一点上卓有成就的画家,我想这个命题应该能够引起大家的共鸣。
    下面请丁老师做主题讲座发言。
    [丁宁原]:多年以来,省里每年组织山水画培训班,都让我去讲一堂课,孔院长也去了好多次。讲的是写生与创作,不过实际上稍微拓宽一点就是生活与创作的关系。写生当然指的到生活当中去,今天在座的都是专家,包括我的学生都是专家了,今天我就提提自己的看法。刚才韩老师提到“外师造化”这是中国画的传统,我认为这一点是中国画不断发展的内在因素,刚才提到了“外师造化,中得心源”。明代王履画华山有几个字,“吾师目、目师心、心师华山”,这一点很厉害,他首先心里想到,但是从哪里来?从眼中看到了华山,这是他悟到了中国山水画创作的经典。
    我们继承传统不能只研究传统技法,更重要的是学习古人的精神。我们当代艺术家面对着从来没有过的、更加广阔的世界,而且我们肩负着时代的重任,没有理由不全力以赴到生活当中认识、体验,发现前人没有发现的内容,从而创作出具有时代精神的个性化笔墨。
    我跟孙(爱华)老师两人一直坚持艺术源于生活,这不是一个口号,是不知不觉的,随着时代的发展就这么走过来。我在上学的时候参加了不少实践活动,而且我也比较喜欢到生活中去写生,还到《大众日报》、《济南日报》当美术通信员,这样一来就培养出了画速写的习惯。文革前全力以赴搞文化创作,那个时候都是领导出题目,群众出生活,画家出技巧的“三结合”创作。理所当然这要深入生活,而且深入生活的第一个任务是向工农兵学习、改造世界观,第二个才是素材,所以一般安排时间比较长,也有充分的时间创作。
    我画山水画以后也坚持到生活当中去,这些年来也积累了很多素材。最近我跟孙老师搞从艺60周年展,大家肯定了我们坚持艺术源于生活的创作道路,我们觉得对青年学者强调这一点比较重要。
    展览以后,我们有些想法,有的是我个人的,有的是我们两个人。第一点深入生活,要有感情的投入。首先是热爱生活,我觉得像谈恋爱一样,情人眼里出西施,热爱生活才可能发现生活中的美。上世纪70年代我第一次到石岛去体验生活,那里独特的景象,蓝天碧海金沙滩,去的第一天还阳光灿烂,一下子就非常喜欢那个地方。当时没有别的想法,只是感觉很好。前后20来年,我去过不下10次,累计时间超过半年还多。除了石岛、大鱼岛还去了成山头、龙须岛等地,威海、蓬莱等等跑了不止一次,基本上跑遍了,画了不少速写。那个时候还没有什么想法搞山水画,当时去画这些画还是从兴趣和爱好出发。自从那以后我特别眷恋海岛、渔民、渔村。
    1984年,美协组织写生,我还是去了胶东,这是一个开端,从这以后到80年代末开始画山水为主。
    2008年我随山东省文联老艺术家采风团重游阔别10年的胶东渔村,一到石岛,我就急切地寻找以往的踪迹,但是我记忆当中,童话般的东西一点有没有了。作为我个人来讲、作为一个画家来讲,总感觉一种失落。回来以后,我觉得像胶东渔村具有很鲜明的北方地域特色的民间建筑,它所承载的古老的渔村文化一下子没有了,这一点不是夸张,渔村文化一下子没有了,感觉很失落。回来以后我就把以前所画的画找出来,从2008年开始,断断续续10年间,我就以《长海寻梦》为一个总题目,画了大大小小100多张,基本上全是渔岛。我不是为了画而画,我觉得自己内心的一种思绪还没有完全宣泄出来。
    我们这一次的展览,我拿出来一些画,至于画是否成功,那倒不一定。但是有两点我想说明一下:第一,不再愧对当年所见到的美好的胶东渔村景象;第二,也了却了几十年来对石岛的情感,是一种交代。
    感情的投入除了真挚的爱之外还有与大自然的互动,有的景象会触动你的心灵,让你震憾。2005年我跟孙老师到科罗拉多大峡谷去旅游,那个大峡谷可能大家都去过,长400多公里,平均深度是1600米,一个泰山放进去还不露头。所以它的壮观使人心阔,但是又使人感到敬畏。在大自然的挑战面前,你会觉得一个画家很渺小。回来以后一直没有画,因为体验不够,好多年都没有画出来。但是因此这一次展览我就勉强画了一张,否则就觉得以后画不出来了。这个跟咱们的山不一样,我们的山是起伏变化,是富有变化的画面。大峡谷是在平地上一条大深沟,这是站在上面看,从地理结构讲是高低起伏,经过多年的冲刷切成大峡谷了。我感到在这边岸边的稍微下去一点,他是一层一层的下去。因为他是因为冲刷而成,就像把地壳切开一些,在阳光下特别强烈。我觉得越看越是一个问题,因为中国画表现出来是不可能的。我觉得画家面对一些新题材的时候,你要想一些办法,比如说透视的原理。中国画基本上不讲透视,一般讲近大远小。你看一下这是平地,还要表现出来高低起伏,还要表现出近大远小的透视变化。在左边是远的,右边是近处,大家可以看到。(请大家观看PPT)
    1995年秋天,我第一次到俄罗斯的一所大学去上课,路过蒙古国一天时间,全是戈壁滩,偶尔会看到一条河流都是干的,偶尔也会看到一些牧人在游荡。因为我第一次出国,对外面所见特别敏感,对蒙古国所见非常深。一天的时间里,全是茫茫戈壁,这样就给你一种冲动,后来就画了两张画。(PPT)大家看画中远处还是茫茫戈壁,荒凉一片。这里面没有中国画传统的丘壑来表现。我班里有两个哈萨克斯坦的学生,他就说老师你是否是画的我们那里,因为这两地还是有所相同的。这张画后来拿出来以后,觉得有一些平,有一些新闻媒体觉得不错,他们讲如果没有感触的话是画出来的。
    第二我想讲的山水画写生要做人文关怀。古人说“读万卷书、行万里路”,读万卷书不用说了,行万里路是说到生活中去了解社会和人,到名山大川当中去观察体验记录山川自然万象的变化。除了考察以外同时还是一个学习的过程,因为中国的名山大川它不仅提供了丰富的创作的素材,而且积累的许多文化遗迹给我们留下了很多素材,无论是名寺古刹,洞穴佛像还是各种大型宏伟建筑都包含了传统文化,更记录了历史的变迁,所以画家对于历史遗迹的了解有助于提高画家的全面艺术修养和提高画家在作品当中的人文精神。
    上世纪90年代,随着水库的取水,很多名胜古迹被湮没了,比如万安桥、白帝城等等很多遗迹,那种远古的沧桑感很神秘。随着三峡蓄水到2003年就没有了,但是我都留下了速写稿,后来我根据我过去的速写稿画了张飞庙。张飞庙原来是在云阳,搬迁以后房子好像在那里,但是一点过去的那种沧桑感没有了,路都是很现代的路,等于是在现代的地方建起一个古建设。大家看画中的感觉是在山崖上的古庙(PPT),我觉得画家留下的资料对消失的古文化是一种补充。
    1978年,济南火车站为背景的素材稿在报纸上发表,这个不再议论了。后来到了1992年,火车站拆了,大家知道火车站非常有名,这是亚洲最大的火车站。其实在拆的时候山东很多文人都建议别拆。像这些东西,我觉得在画中表现是有价值的,根据素材稿可以画出山东大大小小的景色,让后人看到山东的景色,这是画家的社会责任。
    还有一个例子科罗拉多峡谷,后来渐渐的被赶跑了,我从大峡谷往回走的时候,到最后一个峡谷,在科罗拉多的上游有几匹马在游荡,那是印第安人的保留地,现在都被赶走了,还有少量的人在那里靠做彩陶手工来卖钱。当时孙老师还心软,有关对于美国的种族歧视非常的反感。
    [孙爱华]:我想说一点,那里石头都是红色的,看着是很好,但是连草都不长,是最荒凉的地方。在那个地方人民无法生存,说不上来是什么感受,很荒凉。印第安人和白人互相斗,美国规定私有财产不可侵犯,这两条首先保障人类生活没有问题。
    [丁宁原]:这几个人虽然不是写生的,那几个人在那里游荡,让人感觉到无家可归,感觉到非常荒凉。这个题目叫《消失的部落》,这是一个例子。
    还有一个例子,大自然的无声变化让人大开眼界,有一些变化大大超过你的想象,让你惊叹的是让你感觉到你对世界的认识太浅薄、太少了。
    2005年秋天,我们一起去美加边境的沃特顿湖国家公园,1500多平方公里。那里海拔不高,一片金秋景象。看到加拿大的红叶非常的好看,但还不是典型的红叶,秋天的景象非常的漂亮,地下的草地是金光闪闪,有很多牛羊在那里吃草,给你心旷神怡的感觉。我们停车以后,有人告诉我们不要走远,我们就在附近看了看。然后我们开始上山,走了4个多小时,你一抬头一看,白皑皑的雪山直插云天。后来继续延着往上走,就下大雪了,大雪纷飞,气温骤降,感觉到非常冷,现在看到四周的山非常近。你一开始看到山是雪白雪白的,天像海一样,有一点恐怖感。回来我感触很大,这一副画我感觉也没有画出来。山下是金秋,很好看,上面是被冰雪覆盖的冰川,在山顶上盖上一层雪,中间没有雪,那里稍微低一点。我想表现出来一种恐怖感。我觉得到生活当中去,可以体验生活中可以感动你的各种景象。
    第三,丰富的生活积累是画家创作个性化笔墨的关键因素。传统笔墨技法在座的都是专家,大家都知道,很丰富、很高明,足够我们学一辈子,而且也确实是中国画特有的一种宝贵财富。不管前人的技法多丰富,也不可能满足,因为现在视野宽了,过去去不了的地方现在也去了,过去看不到的也看到了,认知世界的能力也极大地提高。像北极、南极、月球。这种社会的变化让画家的题材更加的广阔,同时能适应现在画家的趋向。文人画如果大家都画的话,可能不大适应现代。就山水画而言,我觉得表现手法还得突破。
    我觉得吴冠中先生讲过一句话,有的人到美国去画了一批写生回来,我看了还是黄山、庐山,只不过加了美国的小房子而已,所以在这里笔墨等于零。他这个结论有点极端咱不管它,但是我觉得这个事儿有点道理,过去早期山水画的改造叫“旧瓶装新酒”,比如说加上几辆汽车,再比如说画上公路。文革期间有一幅山水画代表叫做又见青山多一峰,所以我觉得现代人的创作路子还得突破。
    1995年俄罗斯的秋天,阳光灿烂,还有发光的金色屋顶,构成了一个典型的俄罗斯风景画。大家知道俄罗斯风景画非常有名,用中国画来画确实难度比较大,过去我也学过点西画,但是不管怎样只要能画出来就行。俄罗斯的金秋的白桦树非常丰富,教堂也能看到。俄罗斯的纬度比我们高,云彩千变万化,色彩很丰富。我有两个问题,一个是色彩问题,中国画不善于色彩创作,笔墨都应该表达出来了。但是到俄罗斯一看,用笔墨表现不出来,就注重了色调。再一个还有一个问题俄罗斯的天空从来没有消停过,不是大雪纷飞,就是彩霞满天,云彩特别好看,水汽特别明显。
    到了11月份我去了圣彼得堡,那里纬度高一些,已经是严冬了,而且这里的纬度高,白天很短,大概是4、5个小时,每天都阴天,每天都下雪。黎明不久以后,你就会感觉到已经黄昏了。大家看(观看PPT),这10点半到11点期间,整个色调都偏暗。前面的这个狮子就是列宾美术学院,这也是一个早晨,其实这是早上10点来钟。这是尼罗河(PPT)。我觉得这些不能用中国画的笔墨,要把自己的感受用色调表现出来,秋天是暖色调,冬天是冷色调的,你得表现出来。我在那里过的是冬天,都是冬天画的。
    我觉得这些画应该有一个思考,无论碰到什么情况,不要让它服从中国画,不要让他套中国画。比如说俄罗斯大松树很多,我没有见到一棵是变化的,都是笔直笔直的。如果套的话,有可能会找到,但是套上去就没有意思了,所以把一些感受画出来,另外透视只能这样画,要想完全变成中国画也不可能。
    正是因为生活当中有这么多的差异,刺激你想办法,试探可能成功、可能不成功,总而言之试探比不试探好。你的感受和别人的感受不一样,你把你的感受画出来可能有点个性化。我给自己定义了两条:第一,我画出来是中国画;第二,让人一看是画的俄罗斯,而不是中国。
    后来,我画渔岛的时候也有很多情况。到渔岛我感触很深,我想画它,但是我看到好多好多的传统画中几乎找不出一张来可以借鉴,可能感觉不一样。碧海蓝天金沙滩尤其是白色的礁石,那个礁石被雨冲刷以后没有这么白,但是感觉是有的,大家看到这个房子也是很有特点。我觉得思想要解放一下,一个要加入色彩,海水有点重颜色了。但是不画的话,就没有那种感觉了。中国山水画基本上不画天,偶尔画点云彩,这是一种意象。
    在表现上,在取景上,因为是渔岛,除了景以外,还有人物。你想表现渔岛,跟画黄山是不一样的,必须得有人的活动。我希望人的活动能够真实一点,像这一张有点风俗画的样子(PPT)。文革以前报社上基本上这么画,到春节了,以风俗画的构图画一个版,各种各样的活动都在里面,什么都有,我还画过好多次,那时候一般叫风俗画。风俗画的特征表现的主要是渔岛的生活,这是七八十年代的生活,现在已经不是这样了,我画的比较真实。我觉得一开始很留恋那种生活,这种景象现在没有了,这个很有生活气息。我想画出来以后,把自己也包括进去了,增加一点生活情绪。我想给观众以亲近感,同时分享那种美好的回忆。
    下面要谈的一点是在写生当中大家比较关心透视问题,这个问题不解决不行,如何解决还有一个取舍问题。传统山水画没有明显的透视变化,只有近大远小的基本关系,这个跟题材也有关系,那时候没有高速公路,没有大桥梁,没有让你注意消失现象的景物。为什么?建国以后围绕“旧瓶装新酒”有很多争论,那个时候几个好画家有好多争论,这反映出传统画当中不大讲这个,这大概就是中国传统山水画的高明之处,比如说经典作品、传世作品。不过当代有一些东西没有办法,凡是画长江大桥、葛洲坝几乎没有一个成功的,为什么?不画透视不行,画的话到了远处怎么画也是一个问题。在七十年代,刘宝纯先生到黄河写生,我觉得还是可以的。透视古代的题材有一定的局限性,另外西方的透视如果能够帮助你表现你想表现的东西,何尝不可以用呢,这并不影响意境或者是心灵意思之表达。
    大家看,(PPT)这是站在高处(站在桥上)由近及远的画。
    大家看这一张(PPT),这是石岛黄昏,视线是高视线,我想表现的是到海边是一个下坡,不怎么好画下坡,就依托道路近大远小的变化,这是所谓的西画的方式,能把你的视线引到海边去,但是海又上去了。这是表现的层次,我觉得可以试一试。
    大家看这张(PPT),利用一般的透视方法也可以试一试。
    这一些画基本上现场写生,完全都是按照现场写生,但是他的真实感比较强。这张画很真实,我不知道大家有没有去过,近处的、远处的,还有那个圆形的门是石岛文化馆,桥再往右边是招待所。我是尽可能画的写实一点,一点也没有加工,这也体现了透视的感觉。
    我觉得不管怎样,你对新事物的感受要想把他画出来,总得想点办法,这样有助于促进笔墨的突破。但是这还达不到一个高度,真正的高度是把这一步总结出来。只有到生活当中去,才有感受,才有一些想法,才促使你在笔墨上下功夫。我觉得生活中的感受也是促进笔墨个性化的重要因素。
    最后再谈一点,要深入生活必须坚持中国画,现在也都深入生活,包括在学校里面的学生必须画中国画,学生画的不如老师多,我不知道现在的情况有没有好转。有一种观点这么说:中国画强调主观精神的体现,强调用心灵去感悟自然生活,注重意的表达和追求神似,所以不必进行写生。目识心记既可以达到生活的目的,我觉得这个也有道理,但是这个目识心记,你必须有心才行,连看都不看哪来的心。终日在徘徊凝思,整天观察自然景象,以至于到了月夜雪天也不忍离去,我觉得这样肯定能解决问题,我觉得就强调去画,这是最具体的办法。
    另外,我觉得你画了,资料留下了,作为以后的创作素材,不光是一个形象素材,在画的过程当中不光是情景、形象,而且把自己的感受也画进去了。若干年以后,你再翻开看,说不定就闪现出一些灵感。所以我觉得是这样的,除了收集素材以外,还能感受很多东西。我的感受是如果光靠当年心灵的感受也不行,心灵感受有,但是目识心记得记录下来。
    “逸笔草草,不求形似”有些学生经常拿出这句话来讲。我们要讲规矩,要形神兼备。最近我跟孙老师一起搞60周年创作展,完了以后觉得该收摊了。要说回顾,除了听大家意见之外,自己也悟出一些。今天孔院长说了以后,我非常重视,写了一个稿子,今天拿出一些跟大家讨论,很多意见都是自己的想法,有可能不是成熟的,但至少有这种精神。
    [韩玮]:刚才丁老师结合自己的作品对他近些年在生活、写生、创作的关系上作的一些研究和取得的成就作了一个展示,大家从丁老师作品当中可以看出他在这方面下的功夫远远超过我们的年轻人。一个画家如果在技法上还没有形成自己的风格,这个画家是不成熟的,但是一个画家用自己的风格来表现这一点,来强化,来适应。在这个方面丁老师给了我们很好的示范,他的作品都有浓郁的生活气息和典型的地域风貌,尤其在景物的造型和西方文化透视的运用和借鉴上是先行者。这一点是丁老师独到的示范,如果大家结合古人的山水画和当代其他人的山水画以及风景画来看的话,这个非常明显。
    请孙老师再讲一下。  
    [孙爱华]:我没有准备,昨天晚上跟我说也要谈一谈,我觉得很难找合适的点,从写生当中来深深体会到生活是创作的源泉。丁老师写了一篇文章,写了好几天,但是我没有准备,结合PPT简单谈谈。
    这一张和下面一张(观看PPT),这是1989年我和老丁去福建。我第一次去南方,我确实感触很深,所以画出了这些画。南方气侯热,再加上下雨多,觉得很清新,所有的树都是绿的。在亲戚家住了两三天,就出去旅游了。到了福州,又到了厦门,在厦门植物园的时候我非常感动。为什么回来就画了这一副画?因为山东有个工笔画展览。我从来没有画过这样的东西,我到了植物园以后,一个是南方的清新,那种植物的繁茂,再加上植物园的景色太美了,让我很感动,回来有了“非画不可”的冲动,所以回来就画这一些植物。
    第二张我画了一张芭蕉。南方的芭蕉有好多种,就是这一张(PPT)。我觉得看到芭蕉之后非常激动,回来以后就画了一张,画完以后觉得光有芭蕉比较单调又加了后面的插花,这样丰富一点,画出来也好看。回来以后就有了“非画不可”的感觉,这是生活给于我的感动。我还去了鼓浪屿,所有人家里都养花,窗台上、墙头上都是花,你就感觉到好像到了另外一个世界,跟北方完全不一样。北方到了初秋,景色不太绿了,到了南方觉得非常干净,就有了“非画不可”的心情。
    再看下一张(PPT),这是牡丹系列,这是1979年的时候,我带学生下去实习一个月,前半个月画牡丹写生,后半个月就是画泰山。前半个月是我辅导,后半个月是到泰山写生。牡丹写生的时候,去早了根本还没有开,牡丹的叶子还是红的,等了一个礼拜才开。等了一个礼拜有30株牡丹开了,所以我就画了一本速写,就创作了一本牡丹系列。因为名花还没有开,就那么几对牡丹,所有同学围着画,我比学生画的还要多。我当时有一种热情画,后来的创作都是写生。因为那个时候牡丹叶子还没有长好,构图基本上是当场写生的。
    这一张(PPT)完全是构图,花儿跟叶子还不是很理想,这个比自己想的还要生动。
    还有这一张(PPT),这是最后画的,但是我觉得不好,有的人觉得好。在最后一天了,那时候的牡丹盛开了,我们要走了,就要到泰山去。我画牡丹的时候正好下雨了,我坚持画完了,所以雨水冲着牡丹,就下垂了。这是当场写生的一张牡丹,后来也感觉非常自然,水多了往下滴,就是下雨的感觉。调子也是下雨的冷调子。这个没有加工,回来之后是属于直接创作的。所以我大部分的画都是从生活当中来,都是写生。
    这张(PPT)是参加齐鲁美展的创作,还有后面这一张(PPT),这张山师院里面的花,非常多。我用了现代的思想方法,跟一般传统的构图不一样,都是写生来的,都是从生活当中来的。再看这一张(PPT),这是韩玮你们班到公园写生时画的。这说明我走的路子就是从生活当中来的,再一个生活对于我的感受,我确实感受到生活是创作的源泉。
    再看这一张(PPT),这是到了泰山画的,我自己画了一张,我顺着红门往上走,顺着河往上走,也是画了一张写生,也画了一张工笔画,鸟是我自己画上的。龟背竹是来源于生活的,我第一张作了示范,传统画基本上是白色,我又加了一点调子。后来我又画了一张,又加了一些东西,画面比这个宽一点。再往下看,通过我画的画可以看出都是来源于生活。这张画没有写名字,我去美国以后,去了一个公园都是奇花异草。这是我女儿到同学家里玩,这是同学家花园里的照片,我对照照片画的,当然照片不是这样。大家看这一(PPT),荠荠菜,当时还感叹为什么这么大,到公园里面都是奇花异草,就画了一张。这个也是我女儿拍的照片,这个叫夏豌豆,美国路边上有很多。我为什么画了20幅,因为有很多都没有见过,有很多都是来自于我女儿拍摄的照片。因为没有见过,很有感触,就画了。你看我画的花卉,都是红花绿叶。中国画讲雅,我就讲究灰翠绿灰,我的这样色彩感好一些。
    这些画不是我挺喜欢的画,但是可以看出我走的路子是“从生活当中来,有了感受才画”。有了感受必须画、非得画了才画,看画还是有一分亲切感的。
    [刘书军]:第一是心灵,第二是从生活当中来。
    [孙爱华]:在色彩上我还是有一些想法的。既有传统,又强调新意,我是源于生活,体会很深,生活是艺术的源泉。
    [韩玮]:孙老师用质朴的语言谈了她对写生和创作的认识,虽然没有说冠冕堂皇的道理,但是夫妻两人工笔画在写生和创作当中用质朴的语言做了一些探讨,下面我们继续进行,孔院长讲一下。
    [孔维克]:刚才听了丁老师和孙老师两位老师结合自己的创作谈了自己的写生和创作,丁老师的画看从写生当中来,孙老师也是,用质朴的语言谈自己的创作和体会。
    我们这个名家师生展的活动,到丁老师和孙老师是第三次了,第一次是单老师,第二次是郭老师,明天是谭老师。每一次活动还做现场示范,进行现场写生。今天天太热,讲座和研讨放一起了。 设置这个项目时,基于这么一个考虑,围绕一个话题三五个人去座谈。我们现在算起来十几个人,比三个人谈得更充分。我的出发点是冠冕堂皇的话少一点,结合自己的体会,结合丁老师和孙老师的作品为切入点来谈体会。题目为什么是写生与创作,因为丁老师和孙老师都是从写生和创作之间两人这样往前走的。
    说起写生与创作,韩老师说任何一个画家都离不开写生,但是各有不同。我跟丁老师的关系也是源远流长,我的老师和丁老师是同学,我上学的时候刘老师经常说起丁老师。
    丁老师和孙老师我都很尊重也很羡慕,是模范夫妻,这种爱情让人羡慕。谈起写生与创作,丁老师、孙老师一起谈更丰富了,这是我的认识。
    在美协期间,丁老师特别细,我做副秘书长的时候,开会的时候做工作也是我在做,每次在美协活动,丁老师除了作为一个艺术家、教育家,作为美术工作者也提了好多建议,从这一点我看出他是非常负责的人。
    写生现场孙老师画的很多。她把写生画成了粗铅笔画,用6B的铅笔画,画出的画非常的完整,绘画的多种元素,沟通、疏密、取舍在写生期间就把创作的概念加进去了。就像她刚才讲了,用写生进行了创作。后来听她自己讲素材有好几箱子,怎么都画不完。丁老师讲座时也讲了,那次文联组织的在威海去采风,谭老师也去了,一个多礼拜的时间,也到了长岛和茶山,也感受到丁老师所讲的,有很多比较好的人文景观没有了。荣成宾馆前面有一块石头那么好,最后把它给炸了,刘老师说这是几万年的东西,炸了太可惜了。丁老师的速写记录了当时的建筑,还有老百姓的生活状态,现在都没有了,非常好。有一次我去丁老师家,看到好多卡片,画的非常精致。
    我觉得丁老师给我们几点启示:一个是对生活的热情和激情是创作的源泉,不是生活本身的源泉,而是内心跟生活的碰撞激发出源泉。这么多年来,丁老师一直倾向于写生给我们立下了榜样和表率。我自己的体会也是如此,因为我在学校里面教速写,到了美协和画院以后,这种情怀难以释怀。同样一种体会,生活给我们艺术的馈赠。写生在丁老师的年代不用说了,我们这个年龄都有这个体会,我们年龄以下的画家就少了,以照相机作为记录素材的手段。作为学生来讲,老师号召必须以写生为作业,刚才还讲到买作业,这感觉是一个奇闻。应该杜绝这种现象。上学不容易,老师创作示范也不容易,如果买作业是糊弄自己。靠写生锻炼起来的大家,比如说黄胄,这是一个表率。
    写生有这么六条要讲一下:第一写生能把动手能力提高。现在为什么年轻不写生了,因为动手能力弱化了,不想动手了。那种抽象的不写生肯定不行。动手能力是必须画得像,画什么像什么,人老了以后也得写生,眼和手的配合可以防止老年痴呆,年轻要画、老了也要画。第二审美能力的提升。你经常画,怎么构图、怎么画、审美能力提升。第三,创造素材,有人说用照相机更快,有时候画来不及,照相机可以补充,怎么用照片,不写生,光拍没有用。我和一个画家到了欧洲,我坚持画速写,一张速写得画半个小时,他就拍摄。我每天都坚持,一直去了十几个国家,凡是我画过的都能讲出来。我一共才画了二三十张速写,他们拍了上千张、上万张片子,你看我们几万张,你才二三十张,素材很少,我觉得他们说得有道理。但是我到了后来,我们画过的都记得,他们拍了上万张片子自己就忘了。两年以后,我还能画出来,他们的片子有的找不到了,时间久了都不知道是哪里的,没有经过脑子都不记得了。我画了,就在我的思想里,我记得。特别是现在有了互联网,哪里有什么、需要什么素材一搜就知道了,比自己拍的都好。从这个角度来讲,素材也得自己画。尤其是出国机会难得,要多看一看。无论怎么做都有自己的角度,看有看的优势,从搜集素材角度要画。第四,眼睛的观察能力,这是别的东西达不到的。不常画速写,眼睛的观察、看东西,普通人和画家的眼睛不同就在于观察能力,从提炼的角度、艺术处理的能力等等,每一个画家和普通人是不一样的。第五,寻找自己的创作语言。丁老师画画的时候考虑到变更为水墨的时候什么感觉,他可以找到自己的语言,速写本身是自己的艺术教材。自己比着照片画速写又是不一样的。第六,速写是表现当下生活的手段,刚才丁老师也说了,同样的景,有一些画家拿着别人的符号去套,我们现在反映生活的创作或者是绘画是通过速写和写生来完成的,我觉得是一个完整的艺术的呈现。
    刚才谈到了张璪、谈到了石涛,他们对于生活的真知灼见,这都是真理。我们今天谈的写生是西方层面的写生,今天的写生和古人的写生是不一样的。西方的写生叫对景写生,古人写生叫目识心记,每一个画家怎么找一个对应点或者是侧重点。很多对景写生都是焦点透视,都是很真实的,是西方的办法。古人写生走完了长江,心里有一个印象,回去再画。现在一些老先生的写生都是注重看,回来再画,今天还有很多年轻人写生,有一批拿着毛笔现场画,非常好。我觉得拿着钢笔、铅笔先记录,回来再画也不一样,我觉得这样快。我觉得用毛笔画用写生的语言直接变成了创作,也有好处。
   总之,无论是毛笔写生,还是钢笔、铅笔写生,再加工、再加工,都是西画对于中国画的改造。作为年轻人来讲,要加强写生的锻炼。通过今天的研讨,还要从报纸宣传和呼吁。
   我自己还有一个体会,丁老师原来画人物画,后来石岛成了标志性的艺术符号,这个很难得。谭老师也说过,一个艺术家有了自己的风格或者是有了自己的亮点是愈加成熟的表现,丁老师就找了自己的亮点。在2004年有一个“中国画中国”的活动,我第一次画江水,第二次画香港,第三次画的新疆,第四次画的四川,我就体会很深,我不是山水画家,没有套路,没有临摹这一套的训练,就是靠着自己的风格去画,和山水画家相比,画出了当时的感受,不是模拟,而是创作。在香港的时候画青马大桥,就把河北的山坡画完,又画了一个桥。怎么把香港的感觉画出现代感?作为一个画家进入生活没有框框是最重要的,没有框框,有自己的创作语言才行。我们得来源于生活,从生活中找到创作的源泉。
    通过丁老师的展览和孙老师的讲座,我更体会到结合自己的艺术实践,增加写生是画家一直要坚持的课题。我就说这么多。
    [韩玮]:下面请省美协的顾问、山东省中国画学会常务副会长刘书军发言。
    [刘书军]:丁老师、孙老师是我们学习的榜样,几十年来这两个模范结合着教学,因为教学里面有写生,坚持这么长的时间,最后您两位先生出了这么多作品。刚才两位先生也说了,这都是得益于在生活里面的原汤泡着,然后从生活当中提炼出来,得益于写生。当然这里面出成果了,不光是写生一样就出成果,还有自己在艺术上的感受,对生活的一种热爱,还有自己的计划,没有浪费时间,在这方面给我们做出了榜样。
    我记得在八十年代初,和丁老师合作,原来丁老师画人物,从比较早的时候就对荣成海草房情有独钟,就看出对生活的热爱,在大街小巷渔村里面得来了一种感受,到现在为止一直保持着强劲的势头。特别是现在,因为大规模的建设,包括几十年的变迁,海草房基本上很少了。7月份有一个机会,我们又走到了荣成,专门找到现存的海草房,很少一部分,我也近距离画了一部分写生,也拍了一部分照片。现在跟非物质文化遗产一样,已经岌岌可危了,如果不采取措施,可能就消失了。
    从两位先生在写生方面给我们带了一个好头,说句实在话,一个画家一开始涉及到写生,到最后做出成就,这里面没有孜孜不倦的探索,没有努力也出不来多少东西。刚才有的先生也说了,现在写生在年轻人当中,应该说比前面的老先生,包括现在60岁左右的先生,认识是比较淡薄了。
    2006年、2007年,我在南方写生,我看到现在有很多在校大学生跟着老师下去,不管是在哪里,小年轻找个地方就谈恋爱。我们拼命的写生,他们就找地方休息谈恋爱。写生也是一个硬活,您两位知道,我和烟台的刘老先生,一下子写生几个小时。他是在速写上搞创作,他把现场的东西接着变得自己特别符号的速写,他跟您两位先生创作不太一样。比如说丁老师把写生后来画成大幅的创作。但是刘老先生是把生活提炼了,后来觉得不过瘾,再进行创作。像丁老师现在展览的这一些,确实如此。
    通过写生进行自己的创新,从形到色体现出你的个性,一般人做起来是比较费时费力的。另外,刚才孙老师说的每一张画都是有感而发,而且有了创作的冲动,是为了表达出感觉。丁老师也讲了,这部分东西我不画出来对不住这个地方,现在人讲有一种对于生活的热爱和浓浓的乡情,是带着感情,有感而发。在这方面您两位是我学习的榜样,经过这几次展览,这一次60周年展览,包括前面几次丁老师在美术馆的展览,我现在也拿着丁老师的速写,实际上可以看出已经失去的或者正在失去的原始的、经过提炼的,现在讲应该是几十年的东西。比如你画的泰山、黄河,我觉得丁老师在这方面从写生、从生活到创作,他确实是在探索,是在出新。包括刚才丁老师讲到国外,把写生变成创作,在创新这一方面是可贵的独立性,是“不吃别人嚼过馍”,再一个是不在自己的作品里面看到别人的影子。我觉得这是一种创新,是从开始到现在始终贯穿的。
    另外,写生跟创作的关系,在我身上也有体会,为什么?我原来在部队工作,当时单位有一个老战友,在七十年代初期带着我们几个到生活中去,因为他知道要想搞出东西来,在机关里面闭门造车肯定不行,他就领着我们到下面去,一个是到武装部、到民兵连,还到了海岛。我觉得最深刻的是1972年到了藻滩,把村里村外画了一个遍,这是地雷站的故乡,还画了很多肖像,后来听战争年代的故事。有了这半个月的生活体验,后来就把写生的素材和当时的一种想象,出了一个创作构思,1973年把创作构思变成了创作。当时也是体验生活、走进生活,从写生到创作偿到了第一次甜头。第一次感受到生活是创作的源头,离开了生活肯定不能创作。特别是到了上面,没有贴近生活的时间、空间和机会,肯定弄不出新鲜的东西。
    说起写生和创作,恐怕在座的每一位都是自己亲身的体验和体会,都能说出自己的一二三。今天借着写生与创作这个题目,我觉得它有非常重要的现实意义。我们现在要跟时代同步,反映咱们现在时代生活,要拿出一些有温度的创作,拿出一些贴近生活的东西来,我觉得要走进生活,走进老百姓里面去,走进军营里面去。要想把山东老革命根据地表现出来,要再一次写生,创造出有别于他人的作品。反映少数民族生活的东西,比如说贵州苗族,还有内蒙古的大草原,还有新疆的维吾尔族,我们要到生活的源头收集素材,凭借自己对生活的感受,把自己的感情用自己的个性语言表现出来,就是时代的,就是现代的。
    另外,有了自己特征性的、独特语言的东西就是与众不同的,在创作园地里面有鲜明的特点,拿出能彰显时代的精神,跟总书记讲的有温度的,能反映时代的作品,创作有正大气象的东西,拿出一些能让大家感受到有力量的、新意的作品来。我就说这么多。
    [韩玮]:下面请光伟先生发言,沈光伟先生是山东艺术学院的教授,中国画协会的副会长,省美协的顾问。
    [沈光伟]:丁老师和孙老师是我们这一代人的老师,因为原来没有到山师的时候,原来在诸城的时候,他们这一些人就是当时那个时间的山东的年轻画家主要力量,也是潍坊地区最主要的一些画家,也影响了当时潍坊的一大批人。从那个时代就是我们这一代人的老师,我记得那个时候很早了,那个时候下乡时拍很多知识青年的照片,是为了办晚会时做一些参照,还有唐国强。出去写生的时候,丁老师画了很多速写,我记得有很多速写近景都是虚的,中景是实的,当时对我的影响非常大。那个时候的概念是近景是实的,中景是虚的。因为那个时候还画西画,那个时候丁老师把近景画虚了,中景是实的。后来在学校里,对一些东西接触多了,有一些中国画当中也看到中景是实的,近景是虚的。作为一种艺术的表现,那个时候丁老师的画对这些东西有一些非常成熟的思考和实践。
    我看了丁老师的很多作品,我觉得有一些作品是丁老师涉猎的领域,有一些东西是知难而进的,有一些东西非常难。比如说您经常说的海岛,它和其他地方的区别是有高有低,有一些地方是下去,有一些地方是上去,中国画地势是最难画的,平原、高原都有自己画的感觉,海景有下有上非常难。有一次我跟张宏祥去新疆,他也用铅笔、用木炭条画一些简单的速写,我问为什么画速写,他说把地形记记,可以写上一点字,地形是很难表达的,所以这是一个很难的东西。刚才我看你画的画,有的是山坡下去了,有的时候是平着又起来了,我觉得从视觉表达上是比较难的东西。当然,自己要有自己的想法,还得有自己的水平,水平达不到也不行,所以说勇气和水平都是非常让人信服,也会让人觉得了不起。
    我觉得看丁老师和孙老师的画,我觉得有几点要讲一下:第一,出于对于艺术的热爱,从那时候那么艰苦的环境,无论是那时候还是到今天的位置,是出于您对于艺术的热爱。还有自己给自己设定的使命和责任,有时候是自己设置的东西,这种责任、这种使命督促一个艺术家能够做一些自己的选择。像海草房,还有这些渔村,这些东西已经四十年了,70年代初到现在,已经四十五年的时间,是一种沉淀,是一种酝酿,是一种投入,这接近半个世纪的时间,在丁老师的心里已经形成了一种惦念。我觉得这已经形成了生命中的一部分了,是生活的一部分了。
    生活是艺术的源泉,怎么是源泉?就是形成了惦念才是源泉,去的地方多了,就惦念了,就成了源泉了。有惦记的时候才可能成为源泉,才让你念念不忘,才让你经常去,才让你不时地去表现。我觉得这都是年轻一代、对我们这一代,当然也包括对我们下面一代一代的人,有很多的教育意义。
    再一个我们很感动的一点就是勤奋,丁老师不光是画了很多作品,而且是有大量的速写,而且丁老师的速写都是作品。我们那个时候也画很多作品,往往速写太潦草。我以前也见过丁老师的速写,每一张速写都非常完整,他把每一张速写都当做一个作品去思考,这与个人的经历有关。这么多的速写才积淀了画这些东西的可能性,如果没有那么多速写可能就没有今天的成就。每个人生命形态都是如此,想做的事情很多,能做的事情不多,都是这样。我觉得勤奋将会对我们这一些人,对年轻人,应该更多的去灌输,更多的人他们了解这些东西。我就讲这么多。
    [韩玮]:王磐德先生是中国画协会副秘书长,是咱画院的创作部主任,请发言。
    [王磐德]:今天很高兴,丁老师、孙老师是我们的前辈,学画画的时候最早是见了丁老师的画,丁老师画的线条的房子印象很深。90年代丁老师出了一本速写,给我一本,里面很完整,有铅笔、钢笔速写,把丁老师之前在全国各地的所有经历地方的速写都收录进来了。
    这个展览以后,丁老师、孙老师又结合自己的创作、结合作品谈了创作体会,我受益很深。我觉得大鱼岛和俄罗斯这两个作品,确实有比较高的境界,形成了自己的语言。我觉得丁老师、孙老师取得这么大的成绩,离不开这两位先生这么多年的写生。我有这么三点感想:第一,写生是创作的基础。大家都知道中国画方法是从临摹到写生、到创作,写生是临摹与创作之间的重要桥梁。我觉得写生不光是丰富素材、体验生活,更重要的是在写生当中画家可以激发一些创作灵感,大自然的东西有好多灵感可以激发出来。激发出来以后在表现方法和表现语言上,跟以前习惯的东西可能有所不同。这样形成的这些东西,可能成为自己的追求,是形成自己语言的重要途径。
    第二,创作是写生的深化、提高和延续。如果一个好的画家,必须有好的写生基础。如果看到哪个画家创作很好,不会写生的情况是没有的。所以通过写生探索笔墨语言、表现方法,在创作上得到了深化和提炼,最后形成自己的创作风格。我觉得创作风格的形成和写生不能分割,是非常重要的。通过写生进一步把自己的个性、自己的思想、自己的艺术手法在创作当中逐渐完善。
    第三,写生与创作是一种鱼水关系,不可分割。所以说一个画家要保持旺盛的创作精力,要保持常年的写生,如果一个画家不写生了,可能创作就不会有长进了。到了一定阶段,他就画一些概念性的东西,就不会激发新的灵感和新的想法。
    介于时间关系,我就谈这么几点。
    [韩玮]:下面请尹沂明先生发言,他是我们中国画学会的常务理事,山水画家。
    [尹沂明]:很高兴能参加今天这个研讨会,因为在美协工作的原因,和丁老师接触很多,和在座各位也接触很多。那时候搞写生创作培训班,这个培训班就是要实现转变方法的过程,在座的很多教授都参加了培训班的指导。在培训班的过程当中,更多的学员通过写生提高对创作的认识,并且了解由写生到创作怎么样转接的过程。
    一直到今年,十几年来,我没有缺席写生创作培训班,一直到现在都参与。在这里面有很多体会,也有很多思考,特别是咱们今天会议的专家和教授,都有很多成绩和丰硕成果,都和多年写生积累是分不开的。写生的积累和不断地提炼、思考对于创作起到决定性的作用。这里面我有三个感受:
    第一个感受来源于丁老师。我问过丁老师到一个地方写生用什么方法写生最好,丁老师告诉我,找一个项目,不要告诉地方人,你自己去,买两个烧饼,一个地方好,想画到什么时候就画到什么时候,这个地方不好可以再换一个地方再画,这是对写生有深切的体会。如果通知地方人接待,更多人围着你就是吃饭和招待,就把时间消耗了。这种写生的方式一直到今天不能忘怀,我正计划自由行方式进行写生,这样会收到更好的效果。
    第二个得益于孔院长。我和孔院长一起工作很多年,他对写生的认识和表现使我受到很多启发,每个人写生时间长了以后,大部分采取自己的固定模式。这个固定模式在一方面有长处,另一方面就有限制。孔院长写生的方式很多,有各种方式,比如说用铅笔、碳条,还有签字笔,还有水墨的,各种形式写生我受到的启发是针对不同的场景、不同的写生对象采用不同的方式,有更多的针对性和表现的方式。比如画建筑,用线更好,若用水墨,大量的时间放到构造形与关系上,不如用线条更好。比如画云、海用水墨更好,用线很单薄。这是孔院长通过大量的写生实践,最后归结到面对什么就怎么画,这样出来的写生有更多的变化。
    第三个认识得益于沈教授,我有一次去他家为了第四届作品展去拿特邀作品写一句话,当时沈老师跟我说,他常年带学生去朱家峪写生,那时候可能去过三四年了,他对学生说,你要画这个房子要了解这里的沧桑历史,你对背景了解更深入表现就就更不同,这一点对我有更多的启发。在写生时不要仅仅对景写生,要对他的过程和历史有所了解,可能你的切入点有了重点。写生在山东画坛已经蔚然成风,有老一代的榜样力量,有现在活跃在一线画家的丰硕成果,还有年轻画家对于他们以后的创作是不可或缺的源泉。在这种情况下,我也很关注写生,但是写生更多的是自己的固定方式来套自然环境,这样作品太多。这样没有把自然环境的真实变化来调动我们的表现,如果自然环境能调动我们的表现,多一点主观,少一点客观,这是中国画写生发展的更好的方向。
    现在由于中国画主观性比较强,大家比较偏向于主观层面,由于中国画繁荣发展在中国的东南,像西北、西南更多中国画的语言是需要开发和创造,才能表现那个地域,要不然表现不了。举个例子,像谢加道,60年代浙美毕业,一直到死都没有改变,就是因为固定的表现约束了他在实际写生当中的发挥。我们在实际写生当中要抓住地域特征。
    我感触良多,我会接着坚持写生,今天很高兴,受到很多启发,想谈的很多,因为时间关系,就说这么多。
    [韩玮]:下面请解均老师发言,解均老师是济南大学美术学院的教授。
    [解均]:首先感谢孔院长给我这么一个机会,让我参加高端的学术研讨会,在这次会议上两位老师围绕自己的作品作了非常好的解说,同时还有各位老师都发表了高水准的发言,这对我都是宝贵的收获。我虽然没有那么幸运成为丁老师的学生,但是我们这一代人是看着丁老师的画长大的,所以丁老师的作品、画风对我产生了潜移默化的影响,这是肯定的。
    刚才听两位老师在讲解自己的作品,还有创作背景,我的脑子里面一直就出现这么一句话:笔墨当随时代。两位老师用自己的写生、自己的创作完美的诠释了这一句话。这句话其实突然又加深了认识,又加深了感受。笔墨、时代,笔墨必须随时代,随非常有意思,随就是转换,没有笔墨凭什么转换,凭什么随着时代。两位老师在刚才的讲课当中讲的大多数是自己的写生实践和创作感受,没有过多的谈到对于笔墨的继承、传承。但是我们从他们的作品当中感觉到他们所具有的那种深厚的传统笔墨的功力,这个功夫是下足了的。有了这个才能有一个随时代,才能介入时代,才能转换语言,才能创作出自己富有时代感的自己鲜明个性的风格。
    对于这句话,有人是有误解的。认为笔墨当随时代,特别是吴冠中先生,那些比较极端性的话和语言,比较容易让人产生曲解。一个反传统的画,到什么山就唱什么歌了,其实没有传统的笔墨,就无法表现出那种真正具有中国民族气派的文化品格。这是我刚才看了两位老先生的作品,听了他们的解说、讲解之后的一个感悟。
    丁老师也说了,实际上在写生当中才能更加丰富传统笔墨,实际上是拓展了、开拓了笔墨的语言发挥,实际上是一种发展。我觉得从这一点上来讲,两位先生在这方面是给我们做出了一个非常杰出的表率。我就联系到自己做教育工作,我们在教学当中也面临这么一个问题,就是怎么样让学生继承传统,延续传统的笔墨,同时通过写生完成创作,这个也很纠结。在这方面,两位老先生,还有各位老师谈到的观点,对我都有很大的启发。我作为学生来听,真的觉得太好了,针对每一幅画知道他的创作背景,是如何完成的,今天得到的启发和启示,对我来讲是一个很好的借鉴,回去我将好好领会,把这些东西融汇在教学工作当中,这对于我以后的教学是一个非常好的促进。
    谢谢。
    [韩玮]:请吴老师发言,吴国良老师是山东理工大学美术学院的老师,对中国画很有研究。
    [吴国良]:因为我平常参加活动很少,能够参加今天的活动非常高兴。
    我小时候跟丁老师女儿是同学,从一开始就看孙老师的速写,包括上小学的时候,我写看了很多丁老师的作品,也是这个缘分让我也走上了这条道路。我觉得听了丁老师讲的,也看了丁老师的展览的那么多的作品,我很感动,孙老师、丁老师那么能干,通过画画的过程通过自己的语言进行积累。无论在国内还是在国外,用中国语言的形式,同时无论画哪个地方要把地域特征、特点表现出来,很不容易。就是说,在画的过程当中要提炼、体会,要转化成特殊的语言,每一个地方还不一样。写生的目的和特点不一样。当时在上学写生的时候,出去之前也去丁老师那里去看过,我们看他的速写每一张都很完整、整齐。
    我们现在在学校搞教学,在写生当中,山水出去写生多,人物和花鸟出去写生少,我觉得人物写生不能光在教室,教室也可以,我们长期看这个人,永远都是这个人。找人很难找,找年轻的也很难找,我们觉得写生时要走向生活。
    前不久在北京学习,就是跑到淄博鹅庄去写生,生活当中的人非常生动,在教室中画不出那种感觉。教室中的模特,每年都画那几个人,都画得很板,画不出什么来。我的意思是以后要重视写生,要通过大量的写生搞创作,要在生活中有感受了,才能生动、才能打动人。
    作为我们个人来讲,现在在学校里面,我们下得功夫都不够,尤其是写生方面。包括比我们还年轻的老师,这方面下的功夫也不多,有时候画照片很多,写生很少。我们搞创作时,对着照片画得多一些,真正的出去找素材,尽管我们要求了,但是做的还不够。在这方面我们肯定要改善,自己也要加强。
    今天就说这些。
    [韩玮]:王兴堂老师是山东艺术学院的副教授,擅长画山水画,请发言。
    [王兴堂]:今天很高兴听两位老师的讲座、参加这个研讨会。刚才看到两位老师的作品图片也很有感触,因为很早就觉得丁老师、孙老师的写生非常丰富、非常多。在我的印象里,有3个印象非常深,第一个是速写,看到画册里面铅笔的速写非常完整。写生的完整性其实是一个画家非常严谨的态度,有的人拿着速写随便画一下。这是两种感觉。有的老师随便画一下,是一个记录,有的老师是非常严谨,这是对生活的一个态度。再一个是对于海岛的水墨创作,我印象很深,是对于笔墨的一种独特性印象很深。还有到俄罗斯或者是大草原的写生,都是用很湿的墨来画。用很湿的墨来画山水是非常难的,因为湿墨难掌握,干笔相对比较容易,湿笔还得等干,容易发粘,有的纸不好还有其他的问题,所以湿墨非常难掌握。看了丁老师的作品,我印象非常深。
    通过两位老师的写生图片,包括创作的转换,我也谈谈自己的感受,因为我同样从事山水画教学,在这么多年的教学中有同样的感受,包括有的老师说到美协的培训班。其实写生很难,我觉得山水画的学习不光是写生和创作,还要有对于传统的学习,我觉得这是对于一个画家或者对于一个学习者是怎么走进中国画的一个认识的过程,有了这种过程,我们在生活中掌握的规律,再到生活中感受,我觉得写生更大的是一种感受。
    创作是一种升华到认识问题,在石涛的理论里面充分说明了这个问题,就是要重视个人感受,我不是带着别人的眼睛看自然,我写生的时候说这是黄宾虹的,这恰恰说明了这黄宾虹是有生活,他的创作是来源于生活,但不是依赖于传统。一个画家在写生时要用自己的内心跟生活兑换。为什么很多画家一年又一年的写生,尤其是四五十年代以来,写生成为常态化。无论是学院的教学,还是画院的进修班,凡是画山水画的没有不去写生的,这是一个常态化的流程。这常态化的流程让大家画了很多年也没有自己个性化的东西,很多人写生都一样,让人感觉到不足。我感觉到丁老师的山水是独特性的,这是非常重要的一点。
    现在的教学每年都有两次写生,一次是将近4个礼拜的实践,往往产生大量的作业。话又说回来,有的是为了画画而画画,为了完成作业而画,而不是说我该如何画、如何写。比如丁老师用铅笔做一些写生,无论是铅笔还是毛笔,都是毛笔的状态。但是有的人拿着毛笔还是铅笔的状态,每个人都有不同的感受。有一些画家用铅笔画了,最后看出是完整的水墨,我觉得这是对于自然的关照和用心,我觉得是与众不同的,画出来的作品才走心。现在的走心度不够,充满的概念和重复,画出来的往往是千篇一律的。这就导致画了多少年还没有进步或者是没有什么变化,我觉得我们常说的对自然的关照、用心度不够。
    像贾又福先生,他对于太行山的研究多么到位,他去了好多趟,有的人就是以一个地方作为根据地,对这一个地方进行研究。但是像黄宾虹是走了好多地方,有了不同的感受,我觉得不同的画家对于自然的关照程度不同。
    通过这个研讨会,通过各位老师的发言,我也有很大的体会,以后在教学上,在自己的写生和创作上也有很大的帮助。由于时间关系,我就不说那么多了。
    [韩玮]:今天研讨会是老中青结合的研讨会,刘扬谈谈吧。
    [刘扬]:首先感谢孔院长让我参加这次写生与创作座谈会,丁老师和孙老师都是前辈,确实看你们的画册长大的,在我们心中你们的作品非常亲切。孙老师对于自然花草的热爱与表达,让我非常感动。
    这次座谈会我总结了几点:第一强调中国画的本源意识,像丁老师说的拿出作品来还是中国画。第二,不忘初心,对于艺术有更多的追求。第三,写生是检验画家创造能力的一项重要指标。丁老师山水画作品每一张画都非常讲究,像构图、布置都非常用心。刚才像王老师讲的非常严谨,是值得我们学习的。第四,这些作品的各种笔法对于我来说能学习很多,这次座谈会受益良多,非常感谢。
    [韩玮]:孟祥军,山东师范大学美术学院的老师,丁老师优秀的学生,在读博士。
    [孟祥军]:今天非常荣幸又一次重温了一下老师的作品。当时丁老师和孙老师去看我们的临摹,对我们鼓励非常大,孙老师、丁老师的画就不谈了,也没有资格谈,我满心喜欢,非常好。我谈一下孙老师对我们学生关心和呵护的事情,我觉得也是一个很好的故事。
    当时孙老师快退休了,那么大的年轻,我们上课在6楼,我们第一次画工笔画,是临摹花鸟,我们不懂,不知道用什么工具,当时就缺涮笔桶。当时孙老师就把自家盛咸菜的玻璃瓶提到教室,我们学生们非常感动。我们没有和孙老师说过,但是我们私下说有这样的老师感觉到非常荣幸,她对于我们学生的关爱值得我们学习。
    今天我不谈太多,希望孙老师和丁老师身体健康,我就说这些。
    [韩玮]:下面请孔院长作一个总结。
    [孔维克]:今天下午时间很紧凑,用了3个小时的时间,在座的所有的与会者都发了言。丁老师一开始作了讲座,包括孙老师,这个讲座很重要,按照丁老师的说法是认真准备的。
    我刚才一开始讲了,丁老师作为一个教育家,也是一个著名画家,对于写生和创作的关系理解的非常深刻,结合着展览,又是师生展,结合着课题,本来就应该有一个讲座,让大家更好的理解写生和创作的关系,并且结合着作品和PPT。孙老师是结合着每一个画面谈自己的创作,更接地气。虽然没有准备,但是很朴实。一开始有几张画可能您送了全国展。
    一开始都画人物画,丁老师早期的连环画我也见了不少,后来通过生活的写生到后来有了实际感悟,创作的方向有所扭转。丁老师的扭转方向的结合点和契机,孙老师是因为到南方写生了一次,画了一张画参加了全国美展激发了创造的热情,一发而不可收,能看出你们创作的热情和激情确实来源于生活,更来源于自己创作的喜悦。因为你的创作得到了认可,到了全国的展览,当时也是站在最前沿的专家对于你们的认可。孙老师的工笔画也得到了省里画家的认可,孙老师是写意画和花鸟画画家,有一定的装饰性和现代性,在颜色上有所突破,非常协调。
    总之,生活和创作的关系,结合自己的创作实践,丁老师和孙老师谈得都非常到位。尤其是丁老师结合自己的创作,对于写生和创作的关系还有几个规律,给予我们更大的启发。各位专家比丁老师和孙老师晚一辈到两辈,我们看着两位先生的作品长大,他们更是如此。丁老师在写生当中找到了生活的原点,对于我们每个画家都有所启发,像韩玮老师讲的,大家也多多少少都有自己的面貌,但是在艺术自觉上,在艺术攀登上,因为我们比丁老师还年轻一些,还应该以丁老师为榜样,尤其是勤奋的态度精神和纯洁的态度,对于艺术的感悟每个人都有所不同,人和人之间没有可比性,道路也没有重复性,但是艺术的精神是可以学习的,从业的态度和勤奋的精神是可以学习的。像韩玮教授一开始可讲的,在座的各位都重视写生、速写,我们这次研讨的成果经过媒体宣传放大,我想对更年轻的画家是一个激励和启发。刚才谈到习主席讲话,看到了生活与创作的关系,创作与时代的关系,还有艺术道路的问题,讲到与源泉之间的关系,更使我们坚定了信念和创作的方向,更应该面向生活,在方法论上讲更应该提倡写生。
    就山东来讲,更是如此。老尹讲办班的时候,一恍过去十几年了,在图书馆的时候,那时候办第一届,当时请你们去教工笔画教学,后来去鹅庄和泰山,老尹一直坚守这个岗位到现在,既为大家服务,同时又很受益,还出版了画册,所以他深有体会。我跟在座的每一位都有关系,今天到场的各位专家也好、同道也好发言都很好,都结合自己的体会,既谈到对于写生与创作之间的关系和感悟,也对丁老师和孙老师的讲座都有自己的体会,包括前不久在美术馆的展览,还有刚刚结束的师生展,结合讲的非常好。
    通过召开这次座谈会,对每一位的从艺道路和认识都有所提升,我们的目的都达到了。这一次的成果通过我们的平台和公众媒体渠道宣传,期望放大座谈会的效果,能够对全国同行,或者是对于美术界的朋友有所启发,就达到了今天座谈会的目的。